Quando ci hanno dato notizia che Gomorra era stato escluso dalla corsa agli Oscar come miglior film straniero, un po’ ce la siamo presa. Ci dissero poi che al suo posto era stato candidato un film d’animazione, tale Walzer con Bashir. Mah! Se Gomorra ci era piaciuto, questo doveva essere meglio!

Quindi confidenti siamo andati a vederlo (tra l’altro una delle ultime proiezioni dell’ormai defunto cinema Excelsior a Trieste). Ne siamo usciti ammutoliti. Non tanto per la qualita` dell’opera, che per quanto ben eseguita non restera` forse nell’albo dei migliori film di sempre. Quanto invece per una capacita` di andare oltre che permea la pellicola: andare oltre le semplici immagini bidimensionali del disegno; andare oltre la finzione dello schermo, per narrare la vita, drammatica, patetica, cosi` assurda da essere ridicola, se non fosse mortalmente tragica; andare oltre i limiti temporali della visione del film, entrare nei pensieri al di fuori del cinema. Ma converra` andare per ordine.

Innanzitutto, che cosa. E` un film di un ricordo, che perseguita il regista come una muta di cani rabbiosi, che si ferma ogni notte ad abbaiare sotto le finestre della sua coscienza. Inizialmente rimosso, riguarda la partecipazione alla strage di Sabra e Shatila: come spettatore, ma ugualmente colpevole perche` passivo. Ed

e` in questa chiave che il film si presenta come uno scavo nella memoria dei veterani, ricostruendo vicende, nascoste nelle pieghe dei ricordi, dimenticate, rimosse, di una guerra, folle e insulsa come tutte. Forse fa piu` male questo racconto perche` i protagonisti sono ragazzi di ora, che maneggiano fucili e mitragliatrici con la stessa noncurante innocenza con cui maneggerebbero le registrazioni dei cantanti preferiti. Fa male perche` avremmo potuto essere noi.

In un secondo momento, un altro elemento viene alla luce; ed e` come uscire dalle acque calde del mare per trovarsi nudi di fronte all’orrore che solo l’uomo sa creare; volontatiamente. Come riportato sullo stesso sito dedicato al film, “man mano che l’esercito israeliano avanzava, arrivado fino a Beirut, ci si cominciava a chiedere cosa ci facesse, cosi` lontano da casa, in una capitale straniera; perche` soldati israeliani morivano ogni giorno per qualcosa che non aveva a che vedere con la sicurezza di Israele? Venne improvvisamente alla mente la guerra in Vietnam.” L’eccidio che ebbe luogo nei campi profughi libanesi citati fu forse l’episodio culminante; non esistono numeri precisi, alcune stime parlano dai 460 (esercito libanese) ai 700-800 morti (servizi segreti israeliani) ma il numero delle persone uccise in quella giornata forse furono addirittura 3000.

A livello contenutistico dunque il film e` di altissima qualita`, praticamente indimenticabile. Per quanto riguarda il reparto realizzativo e tecnico, la grafica un po’ rozza e alle volte approssimativa del disegno (scelta del tutto voluta, peraltro) si accompagna ad una cura per gli effetti di luce ed ombra notevole. Il risultato e` un po’ straniante inizialmente, benche` efficace. L’animazione risulta particolarmente bella in alcune scene memorabili: la corsa dei cani iniziale, la bellissima scena dei soldati che si alzano dal mare, i cavalli morenti, la gigantessa che nuota nel mare. In altri momenti, pur non raggiungendo queste altezze poetiche, risulta una scelta azzeccatissima per rendere con un meccanismo di straniamento fenomenale l’assurdita` delle situazioni presentate: il blindato che avanza sparando a caso nella notte, la spiaggia dove poco prima si sparava e moriva tramutata in luogo di vacanza sotto i bombardieri , la sequenza che varia nell’assurdo che riporto qui sotto.

Complessivamente, risulta essere un film di forte impatto, che vive di una duplice faccia: documentaristico da un lato, dall’altro visionario e struggente. Molto ben curato sia nel comparto grafico che in quello sonoro, con musiche efficaci e ben studiate, che mettono in risalto soprattuto le scene piu` belle, citate poco fa, che sono degne di restare nella storia dell’animazione e del cinema. Non e` un film da vedere alla leggera; ma per chi pensa che le cose sia solo bianche o nere, che il mondo si divida in buoni e cattivi,  questo film e` da vedere; per capire ancora un po’ di piu` come la follia sia alle soglia della nostra casa.

Vi lascio per ultima la clip che da` il nome al film. Difficile dire se sia la sequenza meglio girata dell’intero film, di sicuro e` un piccolo capolavoro.

Voto: 4.5/5, per alcune cadute sul lato dell’animazione, non sempre all’altezza delle scene migliori.

Visto al cinema, rivisto su Blu-Ray.

La Locandina in lingua originale

Il genere dei film con il mostro gigante, mutante, extra-dimensionale, in cerca di vendetta, impaurito o semplicemente arrabbiato è uno degli archetipi dell’arte cinematografica: a cominciare da “The Lost World” del 1925 e da “King Kong” del 1933 (l’unico vero) che mostravano gli effetti speciali rivoluzionari di Willis O’Brien, per poi continuare con la sfilza infinita di film realizzati grazie all’arte di Ray Harryhausen, discepolo di O’Brien (quando si dice che l’allievo supera il maestro), tra i quali vanno ricordati “Il Mostro dei Mari” e “Le avventure di Sinbad“, passando per gli svariati film di Gojira (e non Godzilla), fino ad arrivare ai moderni blockbuster supportati più che altro da un marketing (virale o classico che sia) quello sì davvero mostruoso, come ad esempio “Cloverfield”.

Alcuni dei film che ho citato sono dei classici della storia del cinema, altri meritano rispetto come “underdogs”, termine intraducibile che indica quei prodotti della pop culture che raccolgono il nostro affetto in quanto si prestano bene ad un consumo non ricercato (come ad esempio sono per me i film di Gojira), ma per la maggior parte questi film, che per loro natura si prestano ad identificare comuni archetipi junghiani, si rifanno per la maggior parte a schemi narrativi triti e ritriti, in cui le figure maschile e femminile protagoniste predominano una realtà per il resto focalizzata solamente su di un evento il mostro che non ha spesso origine, o comunque ce l’ha troppo lontana da noi (il che denota anche un po’ di provincialismo dei prodotti hollywoodiani) e che, soprattutto, non intacca vivacemente e in modo duraturo la realtà quotidiana della popolazione colpita, eccezion fatta per la vita della coppia che da quel momento resterà segnata dal lieto fine della storia.

Questo schema è stato letteralmente fatto a pezzi da The Host, un film coreano del 2006, diretto da Joon-ho Bong, che aveva già ottenuto un discreto successo con Memories of Murder, e in cui figura l’attore Kang-ho Song, il padre vendicativo di Sympathy for Mr. Vengeance di Chan Wook Park e che presto rivedremo, sempre diretto da Chan Wook, in Thirst (qui il trailer).

Tra gli aspetti puramente tecnici da mettere in risalto c’è soprattutto il design del mostro: non troppo grande, il merluzzo mutato (e fuso con decine dei suoi fratelli siamesi) del fiume Han è un vero gioiello di creatività e di realismo, soprattutto nei movimenti, studiati dallo stesso regista per essere credibili in quanto realizzati da una creatura che non si è evoluta in nessun modo naturale e che perciò fatica a fare ciò di cui è diventata capace. Tale e tanto è stato lo sforzo necessario per la regia del mostro che il regista ha detto che è stato in tutto e per tutto simile alla regia di un attore vero.

Ma il piatto forte di questa pellicola sono gli attori che interpretano la bellissima storia che accompagna la venuta del mostro all’interno della famiglia Park. Io personalmente non so come siano reputati in Corea del Sud, ma nella mia mente al riguardo vengono in mente solo 2 parole: Artisti e Professionisti.

Certamente Kang-ho Song, vero protagonista del film, è una spanna sopra a tutti gli altri, con il suo agire da tonto disinteressato alle cose serie della vita, bambinone impacciato persino con una figlia a carico che ha le movenze incredibilmente simili a quelle di un Pulcinella partenopeo o di un Arlecchino: pura Commedia dell’Arte, con tutti i suoi risvolti comici, ma anche con quella drammaticità che solo un bravo attore comico sa trasmettere.

Ma comunque tutti e 5 i componenti della famiglia sono interpretati da attori che trasudano professionismo da ogni inquadratura che li contenga, anche se l’attrice che interpreta Nam-joo, campionessa di arco è un po’ più sotto le righe. Basti pensare che la scena in cui il fratello entra alla cerimonia funebre per la nipote ubriaco e inizia la rissa è completamente improvvisata e tuttavia è pervasa da uno stupendo spirito tragicomico che stigmatizza la situazione in cui la storia volge in quel punto del film.

Altro attore meraviglioso è il padre, interpretato da Ah-sung Ko, che regala degli stupendi monologhi poco dopo l’inizio del film e che è l’unico attore credibile che abbia mai visto nella parte del padre amorevole.

Naturalmente questa pervasione di buona recitazione non sarebbe stata possibile se la storia non fosse stata all’altezza, ma è proprio qui in realtà che si giocano i migliori punti a favore di quest’opera. Il mostro c’è, si vede da subito e si da subito come è uscito fuori, non importa: non è assolutamente al centro del film. Al centro c’è la denuncia politica che pervade l’opera (il cui incipit tra l’altro è basato su un evento realmente accaduto proprio in quei luoghi), c’è la situazione familiare della famiglia Park e ci sono i tipi caratteriali di tutti i suoi componenti, che escono fuori attraverso un succedersi di bellissime scene in cui si vede la creatività degli sceneggiatori, tra cui lo stesso regista.

Non vi sto parlando di un capolavoro, né probabilmente di un film al quale vi affezionerete come è successo a me (ma chi lo sa?). Però sono certo di parlare di un film ben più che piacevole, veramente bello e ben fatto, ma non come si dice ormai di tutti i film di Spielberg: Spielberg è un maniscalco che sa arrotondare tutti gli spigoli giusti fino a quando un suo prodotto non entra così dolcemente nei nostri occhi da non poter non strappare un giudizio positivo, ma del vecchio Spielberg non è rimasto assolutamente nulla, nessuna inventiva, nessuna trovata perlomeno tecnica.

Questo film invece è paragonabile a “Lo Squalo” in quanto a creatività nella sceneggiatura ed di molto superiore a quello per quanto riguarda lo studio fatto sulla creatura (e non è solo un fatto di mezzi moderni o budget). Inoltre, a rendere ancora più interessante il tutto, rimane il fatto che questo è un film asiatico, che sarà apprezzato da chi si fa cullare dalle note esotiche della realizzazione, ma che in questo caso risulterà, a mio parere, interessato anche per i più smaliziati cultori del cinema dell’Estremo Oriente: non è un film horror coreano classico come Phone o Two Sisters e non è nemmeno un ennesimo Godzilla o King Kong, nipponici o Hollywoodiani che siano; al contrario è un film drammatico che prende il mostro di turno come punto di svolta di 5 esistenze rassegnatesi fino a quel punto.

E per finire: il lieto fine dolceamaro di questo film vi lascerà senza fiato.

Voto: 4/5, a causa dell’attrice che interpreta la sorella e di qualche cliché di troppo nelle scene anti-cospirazioniste.

Visto sul mio PC, scaricato da The Pirate Bay, pronto a comprare la versione speciale in DVD.

Locandina originale del film

Nel 1958 il mondo fu scosso dalla distribuzione nelle sale cinematografiche del film di Stanley Kubrick “Orizzonti di Gloria“, che proponeva senza mezze misure la crudezza e il cinismo che i reduci dalla Prima Guerra Mondiale avevano testimoniato e che erano stati cancellati tramite un’efficace damnatio memoriae dalla retorica nazionalista delle nazioni che vi presero parte, soprattutto da parte degli alleati della Triplice Intesa, sedicenti vincitori del conflitto.

Il film di Kubrick è senza dubbio un capolavoro, ma non giunge a rappresentare l’elemento fondamentale di un gruppo di uomini sottomessi al cinico gioco della guerra, ovvero i tipi umani, ovvero i ruoli che all’interno di qualunque gruppo sociale i diversi individui vengono ad assumere.

Al troneggiante e “candido” Kirk Douglas del film di Kubrick fu Mario Monicelli, in Italia, a dare un’alternativa, anzi due.

Vittorio Gassmann e Alberto Sordi furono i protagonisti nel 1959 del film “La Grande Guerra“, una grande produzione, per l’epoca, di Dino De Laurentiis.

Il film nasce come un romanzo dello scrittore e sceneggiatore Luciano Vincenzoni, persona chiave del cinema italiano che ha collaborato con tutti i più grandi registi, da Sergio Leone a Pietro Germi, da Monicelli a Luciano Salce.

All’inizio, anche se il romanzo era ispirato al racconto “Due Amici” di Guy de Maupassant, si decise di adattarlo solo per Gassmann. Ma in una seconda fase intervenne Dino De Laurentiis a richiedere che apparisse come co-protagonista Alberto Sordi. E mai la scelta di un produttore fu più azzeccata.

Difatti la coppia Giovanni Busacca (Gassmann) e Oreste Jacovacci (Sordi) crea l’innesco che divide gli uomini nella pellicola in una prima dicotomia Nord-Sud, ancora oggi attuale, ma mai così importante come nella vita militare. Il romano interpretato da Sordi è un’uomo che si mantiene energicamente sotto le righe, cercando piccoli piaceri nelle nicchie sociali che riesce a ritagliarsi, mentre il milanese Busacca è un galeotto superbo che si crede Gesù nel tempio e dispensa consigli (soprattutto la lettura del Michele Bakunin).

Accanto a loro vengono ad  suddividersi i tipi umani gli altri commilitoni: c’è il bonario e coraggioso Bordin, interpretato dal comandante partigiano Folco Lulli, conosciuto anche come Pecoro nell’Armata Brancaleone (vedi recensione), sempre di Monicelli; c’è Rosario Nicotra, siciliano innamorato dell’attricetta degli anni ‘10, interpretato da Tiberio Murgia, anche lui attore familiare per Monicelli, avendo interpretato Ferry Boat ne “I Soliti Ignoti“. C’è anche il contabile di reggimento capitano Castelli, interpretato dal sempre ottimo attore francese Bernard Blier; e persino Ferruccio Amendola, grande doppiatore di Stallone, De Niro, Pacino e Hoffmann, nella parte di un’altro gregario romano.

Il film è equilibrato in tutte le sue manifestazioni: grandi scene di massa si alternano a momenti di cameratismo e persino di intimità tra i commilitoni; il film non è anti-patriottico, ma allo stesso tempo per la prima volta libera le vicende della Grande Guerra dall’aura di eroismo che era stata loro data dalla propaganda fascista e da quella del secondo dopoguerra; infine, ogni personaggio viene affiancato da una controparte inversa, così il comprensivo tenente Gallina (interpretato dal grande Romolo Valli, grande attore di teatro e di cinema emiliano, anche eccellente doppiatore) è affiancato a un maggiore Venturi troppo ligio al dovere e troppo duro con la truppa, il buono e coraggioso Bordin è collegato da una scena magistrale a una moglie sottomessa (Elsa Vazzoler, bravissima attrice veneta e conosciuta dai fan di Verdone anche come la Sora Ersilia di Troppo Forte) e a una famiglia proletaria.

Naturalmente nessun film storico, in particolare se non propagandistico come questo, può prescindere dai fatti realmente accaduti, ed ecco quindi ingaggiato il giornalista Carlo Salsa come consulente.

La maggior parte delle scene furono girate nella provincia di Udine e nel forte di Palmanova.

La scena e la battuta finali di questo film, però, sono la vera ciliegina sulla torta: il fatto che il gesto dei due protagonisti non venga riconosciuto da nessuno ha, per lo spettatore, conseguenze quasi filosofiche riguardo la fallibilità della storia nel ricordare i grandi gesti compiuti da piccoli uomini.

Voto: 5/5

Visto a casa sul PC dopo averlo scaricato da The Pirate Bay, in seguito al verificarsi di una Monicellite acuta che da Brancaleone ai Soliti Ignoti, sfocerà nella produzione di molte altre recensioni delle opere del grande regista ateo.

Una delle scene più emozionanti del film

Come i lettori abituali di questo nostro piccolo spazio avranno avuto modo di rendersi conto, i redattori del blog tendono a trovare interessanti e a scrivere di film che tendono ad essere fantastici o esotici, o perlomeno a contenere discrete quantità di sangue al loro interno.

Per quanto mi riguarda personalmente poi, non mi hanno mai interessato i film storici, nemmeno se di guerra con un sacco di morti o sparatorie. Tantomeno mi ha mai interessato l’unico vero evento storico accaduto durante la mia vita, ovvero la Caduta del Muro.  Infine, non prediligo i film drammatici, a meno che non siano molto tragici (come ad esempio La Città Proibita di Yimou).

E invece oggi parlerò di un film drammatico, che basa il suo soggetto sull’evento storico del Muro di Berlino. E tanto per addentrarmi ancora di più nell’ambito del “solitamente poco digeribile”, parlerò di un film tedesco.

Un fantastico film storico-drammatico tedesco.

Good Bye Lenin! è un film del 2003 con pochi attori teutonici che si muovono in un quartiere bene (il distretto Friedrichshain) della Berlino Est, durante gli 8 mesi a cavallo della Caduta del Muro.

Protagonisti sono una madre, molto ideologista, ma anche molto amata dai figli, e appunto uno dei figli, Alex. La storia, per quanto resterebbe comunque ricca di una miriade di minuziosi colpi di scena, costituisce tuttavia essa stessa un fantastico colpo di scena che innesca una struttura pirandelliana della sceneggiatura. Come tale non merita affatto nessun tipo di spoiler da parte mia, tuttavia, allo scopo di continuare con questa recensione, dirò che gli avvenimenti della piccola famiglia sono direttamente collegati allo sconvolgimento nella vita degli abitanti della Germania Est che è susseguito alla Caduta del Muro.

Iniziamo con i dati tecnici. Per la presentazione dei personaggi e la prima narrazione la sceneggiatura si serve dell’artificio della voce fuori campo, in questo caso quella del figlio Alex. Sebbene questo mezzo di narrazione sia di solito considerato una scappatoia non preferibile (anche da me; io sono uno di quelli che di Blade Runner preferiscono la Director’s Cut), in questo film ci si trova davanti ad un utilizzo ironico e intelligente della voce fuori campo, nella tradizione dei migliori film di Jean-Pierre Jeunet, tanto che è stato interpretato a volte come una citazione de “Il Favoloso Mondo di Amélie“, anche se in realtà esisterebbero esempi migliori di tale stile. Così la voce fuori campo viene a costituire il primo punto a favore.

Il secondo aspetto positivo del film sono senza dubbio gli attori protagonisti, che non hanno né la recitazione stereotipata dello statunitense, né sono soggetti alla distanza culturale che ci separa da un protagonista asiatico, impedendo l’immedesimazione. Addirittura questi bravissimi attori e attrici tedeschi sono più vicini a noi come espressioni facciali e tipo di recitazione dei cugini statunitensi e l’ambientazione europea gioca a favore del meccanismo di immedesimazione.

L’attore che interpreta il figlio, Daniel Brühl, è stato visto anche nell’ultimo film della saga di Bourne e presto lo rivedranno quelli che avranno il fegato di sorbirsi l’ultima fatica di Tarantino, Inglorious Bastards (non scrivo Basterds perché a me la censura della MPAA non mi tocca). La recitazione di questo ragazzo raggiunge un risultato ottimo nel far appassionare lo spettatore al risultato delle sue scelte, sebbene queste siano, come già detto, pirandelliane, non adatte quindi ad essere facilmente assorbite nella realtà dello spettatore. L’interpretazione del figlio amorevole su cui pesa il senso di colpa, che tuttavia è capace anche di perdere le staffe, e che comunque è determinato nei suoi scopi, è resa in modo ottimo ed inoltre, a parer mio, le ragazze di tutto il mondo si stanno perdendo anche un divo con una forte presenza estetica che finalmente non è uguale a tutti gli altri attori statunitensi della sua stessa età che a 30 anni interpretano ancora parti da teenager.

Spostandosi sul comparto tecnico propriamente detto, oltre alla fotografia e alla regia che sono perfettamente funzionali e riescono bene a trasmettere gli stati d’animo delle diverse scene, ed oltre alla bellissima colonna sonora originale di Yann Tiersen,  troviamo un potente spiegamento di CGI per ottenere due dei principali effetti speciali del film: le grandi scene all’aperto che costituiscono alcuni dei momenti più emozionanti del film, ma anche, in modo più raffinato e silenzioso, la deoccidentalizzazione della Berlino moderna.

Proprio perché questi effetti sono resi in modo non “rumoroso”, come viene invece fatto di solito nei film di Hollywood o di Hong Kong, sono da considerarsi a mio giudizio dei lavori ottimi.

Ma il risultato che in assoluto più colpisce lo spettatore è la leggerezza e l’eleganza con cui lo sceneggiatore e il regista (che in parte sono la stessa persona) riescono a far realizzare allo spettatore odierno e occidentale, vissuto da sempre in un mondo capitalista, quale stravolgimento catastrofico sia stato operato dall’Occidente a spese della popolazione del Blocco Socialista. Come viene mostrato nella pellicola, noi spesso non ragioniamo sul fatto che comunque queste persone vivevano di tutta quella serie di “piccole cose” (come nella “Canzone piccola” di Jovanotti) che però sono state spodestate, dopo la Caduta del Muro, dalle nostre “piccole cose”.

Per certi versi quindi, questo film si inscrive nel genere dei film post-apocalittici, ma non solo: è anche una fantastica opera di metacinematografia, con tanto di morale collegata a questo aspetto, nella migliore tradizione delle commedie di Terenzio. Attraverso i filmati “prodotti” da Alex, ci viene mostrato come il revisionismo storico, operazione mediatica a cui siamo purtroppo abituati e che assume sempre connotati negativi, se legato ad uno scopo amorevole, potrebbe diventare un gesto carico di buoni significati e di conseguenze tutt’altro che negative.

Inoltre la metacinematografia si rivela anche nei molti riferimenti ad altri film contenuti: dalla Corazzata Potemkin ad Arancia Meccanica, dalla citazione rivelata di 2001: Odissea nello Spazio a quella più subdola, ma molto più interessante di Matrix che in realtà, come si vede in una delle scene tagliate del film, nascondeva un riferimento a un ben riconoscibile progetto futuro dell’amico di Alex, Denis.

Per tutti questi motivi e per molti altri che non vi ho voluto spoilerizzare vi consiglio caldamente questo autentico gioiello della cinematografia europea: un prodotto perfetto alla luce degli scopi che si prefigge, che riesce a rendere interessante argomenti troppo vicini a noi per sembrarci misteriosi, ma troppo lontani nel tempo per interessarci direttamente.

Voto: 5/5.

Visto a casa su consiglio della mia amata, dopo averlo scaricato da The Pirate Bay, perché la copia che avevo a disposizione sarebbe stata in tedesco.

Non badate alla bella tagline, è una bufala!

Certo ci piacerebbe parlare sempre di bei film e di attori che quando lavorano a qualcosa permettono al pubblico di affidarsi al loro marchio di qualità, ma purtroppo il nostro amore per il Cinema con la C maiuscola ci richiede di avvertire i nostri compagni spettatori riguardo alle mille insidie che si nascondono dietro al migliore dei marketing e dietro a uno degli attori europei più bravi.

Ed è con questo senso di profonda responsabilità che vi sconsiglio assolutamente di andare a vedere (a qualche rassegna, si intende), di noleggiare o di scaricare (legalmente mi raccomando ) Detective Stone, del quale almeno il titolo inglese, Split Second, è migliore rispetto a quello italiano.

Il film è una produzione inglese (e questo già per me è di solito una nota di merito), un film post-apocalittico, e c’è dentro come protagonista nientepopodimeno che Rutger Hauer, il Roy Batty di Blade Runner, il cavaliere innamorato di LadyHawke, il capo dei Juggers in Giochi di Morte (e chi più ne ha…)! Cosa si potrebbe chiedere di più da un film?

Beh, prima di tutto che fosse effettivamente un film. Intendiamoci, le premesse sono buone: Londra è mezza sommersa a causa del riscaldamento globale (e gli va dato merito per il fatto che è del 1992), per le sue strade si nasconde un mostro mutante in connessione telepatico-cardiaca con un investigatore schizzato da quando si confrontarono e il collega di lui perse la vita.

Ma un film è tale se ha: un regista che sta attento in qualche modo a quello che succede dall’altra parte della cinepresa, un montatore con uno spiccato senso del presente e del passato, un attore qualsiasi che non stia semplicemente godendo del fatto che lo pagheranno per aver fatto una serie enorme di stupidaggini sullo schermo, un direttore di produzione che non ritenga di aver risolto i suoi problemi di colonna sonora mandando perpetuamente (anche durante le scene d’azione!) una versione MIDI scrausa di Nights in White Satin. E soprattutto un film è un film solo se ha uno sceneggiatore propriamente detto, ma di questo parleremo dopo.

Guardiamo, ad esempio, all’ambientazione: ok, a Londra ora si gira in motoscafo. Ma le pozzanghere che dopo le prime scene restano l’unico indizio della situazione “postapocalittica” a Londra ci sono già e ci sono sempre state. Quindi l’ambientazione è mediocre, anche nella scenografia della casa di Stone, che sembrerebbe molto curata a partire dalla prima inquadratura, se non fosse che quella è l’unica inquadratura che avevano preparato, con un fornello e una moto parcheggiata davanti e tanti piccioni che pare un film di John Woo (o piazza San Marco).

Riluttante parlerò anche della recitazione che vede un Hauer in “divisa” da assassino cyberpunk con gli occhiali alla John Lennon limitarsi a battute alla Rambo che si vede lontano un miglio che sono scritte da un fan di film americani d’azione anni ‘80 (mai lasciar fare le cose ai fan, bisogna essere James Cameron per scrivere Rambo II) e fare addirittura da spalla all’incapace Neil Duncan, passato ora alle cronache come il doppiatore di Alfred nei cartoni di Batman.

Ma la cosa peggiore del film, tralasciando il montaggio fatto con l’accetta, è qualunque cosa riguardi il mostro. Modus operandi da Jack lo Squartatore, nessuna apparizione nemmeno parziale fino alla scena finale (che non doveva essere girata e che fu girata difatti da un altro regista, che se ne vanta pure), dove esce fuori un Alien fatto male con la mimica che rende i ricordi dei film di Godzilla degli anni ‘80 la cosa più realistica che abbia mai visto.

Insomma, non si salva nulla, nessuno riesce ad alzare il tono del film nemmeno per un secondo, non ci riesce nemmeno Sandro Iovino, già doppiatore di Hauer in Blade Runner, nella versione italiana. Io non posso dire di più (anche perché il solo ricordo del montaggio mi fa venire il mal di testa), sappiate solo quello che vi ho detto e che il film dura 90 minuti (persi della vostra vita), ma soprattutto sappiate che il responsabile maggiore dell’o(/e)rrore che vi ho raccontato è Gary Scott Thompson, responsabile dopo di ciò di Fast & Furious, ovvero come reimporre il machismo becero alle masse di tutto il mondo, il che dovrebbe bastarvi come ragione per evitarlo come la peste.

Voto: 1/5

Visto a La Cappella Underground, all’interno della loro stupenda rassegna “Sci-Fi Club”, ma purtroppo stavolta avevano toppato.

Puffo forzuto mi fa un baffo!

Il regista di 300, Zack Snyder, dopo aver riscosso un successo globale portando sul grande schermo i nerboruti spartani in slip di cuoio inventati da Frank Miller, ci ha preso gusto e ha osato anche lui lì dove altri prima hanno fallito: la trasposizione al cinema di una graphic novel di Alan Moore, in questo caso de LA graphic novel dell’autore inglese, ovvero Watchmen.

Secondo il parere del fumettista il suo capolavoro era semplicemente non filmabile, tuttavia questa recensione intende prescindere dall’opera cartacea, per concentrarsi sul valore puramente artigianale dell’opera del regista.

Interessante è stato l’approccio di Snyder a Watchmen come opera: egli ne è uno sfegatato fan oltre che profondo studioso delle ricadute sulla pop culture dagli anni ‘80, in cui fu scritto, fino ad oggi. Partendo da ciò ha seguito un’approccio che si potrebbe definire purista rendendo ogni aspetto della realizzazione tecnica funzionale alla copia fedele di ogni aspetto dell’opera originale.

Seguendo questo principio sono stati scelti non solo le scenografie e la sceneggiatura, che è semplicemente il copia-incolla di ciò che si vede e di ciò che è scritto sul fumetto, ma anche il cast in cui figurano una nutrita serie di perfetti sconosciuti in cui l’unica eccezione è l’attore che interpreta Rorschach, Jackie Earle Haley, già visto in Little Children e per quello nominato anche all’Oscar (se dovessimo essere sinceri anche Patrick Wilson, che interpreta Gufo Notturno II, è in Little Children, ma entrambe le sue interpretazioni lasciano molto a desiderare e comunque ha il volto anonimo del bravo ragazzo americano). La scelta del cast è stata dettata infatti non dai nomi da piazzare sulla locandina, e tantomeno dalla capacità interpretativa, ma dalla maggior somiglianza possibile con i personaggi del fumetto.

A parte queste scelte, il giudizio sul comparto tecnico della produzione è noiosamente entusiasta: tutto è perfetto, dalla fotografia alle canzonette dell’epoca (la storia è ambientata in un 1985 alternativo), e soprattutto è perfetto il lavoro con Photoshop durante le scene di sesso (ben 2) per rendere perfetto ciò che perfetto non è. E’ perciò inutile parlare di questi aspetti, in quanto non c’è alcun lavoro realmente creativo dietro, quale potrebbe essere la rilettura del Joker fatta dai concept artists di The Dark Knight.

Questo film in realtà resta null’altro che un risultato prevedibile di una scelta di produzione fatta a tavolino da gente che di certo non si tira su le maniche quando lavora: si è trattato semplicemente di dare a colui che ha fatto il lavoro migliore in un film con delle ottime tecnologie (300) quanti più soldi possibili per fare di quello che è riconosciuto da molti come il capolavoro fumettistico del secolo, un film.

Il problema è nel fatto che in questo caso non gli è stato dato materiale grezzo, quale è il fumetto spartano di Miller, ma una vera e propria opera letteraria, per cui le occasioni potenzialmente creative erano ben ridotte ed inoltre andava mantenuto un rispetto verso l’opera originaria ben maggiore.

Per cui il mio giudizio finale non è negativo per motivi di mancanze del film sotto un qualunque aspetto, né positivo vista la perfezione nell’utilizzo dei mezzi tecnici messi a disposizione: è un giudizio neutro che però può essere letto in maniera negativa data la sua motivazione, ovvero che per fare un film del genere non servirebbe un regista, dato che l’unica scelta operata è stata di spostare la vecchia dal letto alla poltrona (non vado oltre per non spoilerizzare); ancora una decina d’anni e un film così lo avrebbero potuto far fare a un’Intelligenza Artificiale.

E pensare che nel 1989 volevano far girare il film a Terry Gilliam (Brazil, L’Esercito delle 12 Scimmie)! Ma fu lui a dire per primo che il materiale non era da lungometraggio, e si offrì di girarlo come una miniserie in 5 episodi. Questo perché lui voleva probabilmente metterci di più di quanto si trovava già nel fumetto.

Il film resta comunque godibile, in particolare nelle scene violente (e in particolare nella scena della prigione), ma chiunque decida di vederlo sappia che resterà con la sensazione tattile della pagina di fumetto sfogliata, quando il montaggio passerà da una scena all’altra. Fatevi un regalo: compratevi (o comunque procuratevi) e leggetevi il fumetto originale, poi se vi piace, potete scaricarvi gratuitamente il videogioco cyberpunk Beneath a Steel Sky, curato dal disegnatore del fumetto, Dave Gibbons.

Giudizio finale: 3/5

Visto da solo all’Adriano a Roma con al mio fianco 2 teste di c***o contro cui ho dovuto ringhiare più volte e che riprendevano le melliflue scene di sesso del film con il cellulare!

Il paese e` straniero, la lingua e` sconosciuta. Un uomo viene trascinato fino ad una pira di legna e libri. Il suo peccato e` la conoscenza. La citta` merlata tace, e` in scena la morte. La morte va in scena nel silenzio, i volti sono sono scolpiti nel marmo. E` teatro, e` l’inquisizione. E` la Francia del XII secolo.
Lasciando il padre morente fra le fiamme un giovane, Youssef, si mette in cammino su un mulo per partire dal cristianesimo cieco e arretrato, per raggiungere lo splendente mondo della cultura e delle scienze, il regno arabo di Andalusia.

Benchè il titolo originale, Al Mansur, sia il nome del secondo califfo della dinastia abbaside, i protagonisti sono molteplici, ognuno con le sue sfaccettature, debolezze, scoperte. Youssef, suo zio il giudice supremo Averroè , i figli del califfo, il bardo Maruan, sua moglie Manuella. Come definire questo film? Musical? Storico? Avventuroso? C’`e tutto questo e di più in un lungometraggio di due ore e mezza che scorre via leggero. Ma il cuore sta in una domanda: quanto può essere normale, facile e sotterraneo portare un paese invidia del mondo per la sua cultura (Averroè fu medico, filosofo, fisico, letterato, teologo, giudice e fu grazie anche ai suoi commenti su aristotele che questo autore greco ritornò in Europa – che aveva perduto i suoi scritti – alla fine del Medioevo) a diventare terreno per i fanatici? Molto, molto poco.

Il regista egiziano Youssef Chahine, premio a Cannes per la carriera nel 1997 proprio con questo film, è un personaggio importante nel panorama da noi sconosciuto della cinematografia egiziana; partecipa per la prima volta a Cannes nel 1951 a 25 anni e fra gli altri premi riceverà anche un Orso d’argento a Berlino. Ha il merito con questo film di aver saputo affrontare con tratti soffici ma senza leggerezza un tema così importante ed inquietante come l’integralismo strisciante nelle società arabe (verrebbe da chiedersi se solo lì) con una tale sincerità di intenti e bellezza da uscire indenne dalle censure dei paesi più fortemente intransigenti.

Si potrà forse dire che non tutti gli attori sono all’altezza; sicuramente accanto a personaggi carismatici e ottimamente caratterizzati come Averroè (Nour El-Sherif) od il califfo (Mahmoud Hemida) ce ne sono altri meno interessanti, come lo stesso Youssef o Abdallah. Ma è l’insieme che regge e cattura, dipingendo una finzione scenica organica, che ben dipinge una realtà (forse) storica.

Discorso a parte lo meritano le musiche, splendide in ogni loro parte (grazie anche al contributo di Mohamed Mounir, il bardo, famoso cantante egiziano).

In sostanza, un film come se ne vedono veramente pochi, a cui non ho alcuna remora a dare il massimo dei voti: 5/5.

Di seguito alcune clip dal film (non sono riuscito a trovare nessun trailer).

Concludo queste giornate iniziate all’insegna dei trailer mostrati al SuperBowl con quello relativo ad un altro film che io personalmente non andrò mai a vedere, sempre a causa del primo della serie, ma che tuttavia so per certo che interesserà molti lettori.

Si tratta di Angeli e Demoni, prequel a “Il Codice Da Vinci” (anche se dal trailer sembrerebbe essere stato trasformato in un sequel), tratto sempre da un romanzo di Dan Brown e diretto da Ron “Ricky Cunningham” Howard. Il professor Langdon sarà anche questa volta interpretato da Tom Hanks, mentre invece la (mezza) sorpresa consiste nel vedere lo scozzese Ewan “Obi-Wan Kenobi” McGregor vestire non solo l’abito talare, ma anche un nome che è tutto un programma: padre Carlo Ventresca (!). Vabbè, che ci si può fare?

Contrariamente ad altre produzioni girate anche solo parzialmente in Italia, questa non vede nel cast molti nomi italiani a parte l’onnipresente Pierfrancesco Favino nel ruolo di un certo Comandante Olivetti.

Come al solito mi cucio la bocca per evitare spoiler e vi propongo il trailer:

Inoltre, dato che qui a Film e Trailer siamo generosi anche con chi non condivide i nostri gusti, vi segnale anche questo link al quale potrete sorbirvi ben 10 spezzoni del film (che deve valere veramente poco se ne danno via così tanto).

Dopo aver visto il primo film (o, per meglio dire, il secondo) sui Transformers, io questo Transformers 2: Revenge of the Fallen lo lascio a chi ha lo stomaco, e soprattutto la bocca, più buona della mia.

Anche vedendo questo trailer mi vengono le lacrime agli occhi pensando che uno dei miei cartoni preferiti di tutta un’infanzia possa essere spazzato via da Michael Bay (regista di infimo livello, responsabile di Bad Boys 2 e di The Island) che, se notate bene, non fa mai la pazzia di produrre i suoi costosissimi film, preferendo spendere su prodotti con un ritorno economico sicuro, anche se sempre di infima fattura, quali ad esempio tutti i remake degli horror degli anni ‘70 e ‘80 come Non aprite quella porta o The Hitcher (sta facendo uscire ora anche il remake di Venerdì 13 e di Nightmare: da evitare, piuttosto comprate gli originali).

Inoltre l’offesa finale in questo trailer è che c’è una sola trasformazione e per di più senza il mitico suono d’accompagnamento (hhuhhhu-hhha-hhhi! con la H raschiata). Insomma io ci ho messo la proverbiale pietra sopra ma per tutti gli interessati, eccolo qui:

Per tutti quelli invece che vogliono una ventata d’aria fresca, e soprattutto di nostalgia pura, ecco qua il primo episodio (purtroppo in inglese) di quelli veri:

Dato che nell’eterno scontro tra i fan di Star Trek e quelli di Star Wars io mi trovo decisamente tra questi ultimi (anche se riconosco che Star Trek è fantascienza, mentre Star Wars no), non mi soffermerò molto ad analizzare questo trailer, somministrato anch’esso alle masse durante il SuperBowl, dato che non essendo un fan né della serie né dei lungometraggi di Star Trek, non sarei capace di riconoscere momenti che devono invece essere parte della legenda per chi si reca alle Convention in tutina aderente, parlando magari in Klingon.

Riportando solo i dati tecnici: si tratta del secondo trailer full-size del prequel alla serie classica di Star Trek, realizzato dal famoso regista televisivo J.J. Abrams (che ha sì al suo attivo Lost e Alias, ma anche Mission:Impossible III) e che fa sfoggio di un cast ricco di star “di serie B” come l’australiano Eric Bana (Hulk), l’inglese Simon Pegg (Shaun of the Dead) e l’attore di film d’azione neozelandese Karl Urban (Doom e Chronicles of Riddick).

Ecco a voi il trailer: